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Pinacoteca

Rosana Paulino ganha retrospectiva na Pinacoteca

A Pinacoteca de São Paulo apresenta, a partir de 8 de dezembro, a exposição Rosana Paulino: A Costura da Memória, que ocupa três salas do 1º andar da Pina Luz. Com curadoria de Valéria Piccoli e Pedro Nery, curadores do museu, trata-se da maior exposição individual da artista em uma grande instituição no país. Reconhecida pelo enfrentamento de questões sociais que despontam da posição da mulher negra na sociedade contemporânea, a artista apresenta mais de 140 obras produzidas ao longo de vinte e cinco anos. A mostra encerra o ano dedicado às artistas mulheres na Pinacoteca.

Ao revolver o início de sua história pessoal, Rosana Paulino observa que o problema da representação dos negros traduz-se na sua quase ausência nos mais variados aspectos da vida dos brasileiros e na história, sobretudo na história das artes visuais. A artista surge no cenário artístico nos anos 1990 e se distingue, desde o início de sua prática, como voz única de sua própria geração, ao abordar de forma afiada temas socais, étnicos e de gênero. Questões perturbadoras no contexto da sociedade brasileira.

A produção de Paulino tem abordado situações decorrentes do racismo e dos estigmas deixados pela escravidão que circundam a condição da mulher negra na sociedade brasileira, bem como os diversos tipos de violência sofridos por esta população. A artista se vale de técnicas diversas – instalações, gravuras, desenhos, esculturas, etc – e as coloca a serviço do questionamento da visão colonialista da história que subsidia a (falsa) noção de democracia racial brasileira. Esses fundamentos embasaram o conhecimento científico e biológico dos povos e da natureza dos trópicos, contaminaram as narrativas religiosas até atingir o foro doméstico, servindo como eixo para a legitimação da supressão identitária dos africanos e africanas no Brasil.

A exposição Rosana Paulino: A Costura da Memória reúne obras produzidas entre 1993 e 2018, como Bastidores (1997) e Parede da memória (1994-2015), decisivas do início de sua carreira. Estas remontam à sua narrativa pessoal e se apresentam como ponto de partida do percurso expositivo. Situadas na sala principal, a primeira traz, como no título, uma série de suportes para bordar com figuras de mulheres de sua família impressas em tecido cujos olhos, bocas e gargantas estão costurados, indicando o emudecimento imposto às mulheres negras, muitas vezes fruto da violência doméstica.

Parede da memória, que pertence à coleção da Pinacoteca, é composta de 1500 “patuás“ – pequenas peças usadas como amuletos de proteção por religiões de matriz africana – que traz onze retratos de família que se multiplicam, uma forma natural da artista investigar a própria identidade a partir de seus ancestrais. Antigas fotos de família são então transformadas em uma poética e poderosa denúncia sobre a invisibilidade dos negros e negras, que não são percebidos como indivíduos mas como um grupo de anônimos. 

Na sala seguinte, estarão expostos vários conjuntos de desenhos, “um aspecto pouco abordado na obra de Rosana Paulino, mais conhecida pelas instalações e obras em gravura”, comenta a curadora Valéria Piccoli. Nesses desenhos, a artista revela sua fascinação pela ciência e, em especial, pela ideia da vida em eterna transformação. Os ciclos da vida de um inseto se aproximam nessas obras das mutações no corpo feminino, por exemplo. As séries de desenhos serão expostas junto da instalação Tecelãs (2003), composta de cerca de 100 peças em faiança, terracota, algodão e linha, que leva para o espaço tridimensional o tema da transformação da vida explorado nos desenhos.

A iconografia da natureza brasileira do século XIX – incluindo ilustrações científicas de plantas, animais e pessoas – também tem servido como fonte material para Paulino. Ao retrabalhar essas imagens, que circularam principalmente em livros de autoria de viajantes europeus, a artista investiga como a ciência, mas também a religião e as noções de progresso serviram como justificativa para a colonização, a escravidão e o racismo. Este interesse pode ser visto nas colagens feitas com impressões, gravuras e monotipias, A Geometria à brasileira chega ao paraíso tropical (2018) e Paraiso tropical (2017), que se encontram na terceira e última sala da exposição. 

Junto a elas está a instalação Assentamento (2013), composta de figuras em tamanho real de uma escravizada retratada por Ausgust Sthal para a expedição Thayer, comandada pelo cientista Louis Agassiz. Essas imagens monumentais impressas em tecido, material predominante na prática mais recente de Paulino, são acompanhadas de vídeos e fardos de mãos. Os tecidos, suturados de forma grosseira, denunciam o trauma da escravidão e a necessidade de “refazimento”, como estratégia de sobrevivência, destes homens e mulheres que aqui aportaram. O título da obra, que encerra a exposição, traz um duplo sentido: é tanto a fundação de uma cultura, de uma identidade , quanto a energia mágica que mantém o terreiro, segundo as religiões de raiz africana. “É onde se encontra a força da casa, seu ´axé´, finaliza a artista.

"A figura que deveria ser uma representação da degeneração racial a que o país estava submetido, segundo as teorias racistas da época, passa a ser a figura de fundação de um país, da cultura brasileira. Essa inversão me interessa."
Rosana Paulino

 

SOBRE ROSANA PAULINO

Nascida em São Paulo, em 1967, é Doutora em Artes Visuais pela Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo – Eca/USP, é Especialista em Gravura pelo London Print Studio, de Londres e Bacharel em Gravura pela Eca/USP. Foi bolsista do programa da Fundação Ford nos anos de 2006 a 2008 e Capes, de 2008 a 2011. Em 2014 foi agraciada com a bolsa para residência no Bellagio Center, da Fundação Rockefeller, em Bellagio, Itália e em 2017 foi vencedora do dos Prêmio Bravo e ABCA – Associação Brasileira dos Críticos de Arte, na modalidade Arte contemporânea.    Possui obras em importantes museus tais como MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo; UNM – University of New Mexico Art Museum, New Mexico, USA e Museu Afro-Brasil – São Paulo. Tem participado ativamente de diversas exposições, tanto no Brasil como no exterior, das quais se destacam a individual Atlântico Vermelho, no Padrão dos Descobrimentos em Lisboa, Portugal (2017) Mulheres Negras – Obscure Beauté du Brésil. Espace Cultural Fort Grifoon à Besançon, França (2014); e participações nas exposições coletivas: South-South: Let me Begin Again. Goodman Gallery, Cidade do Cabo, África do Sul (2017); Territórios: Artistas Afrodescendentes no Acervo da Pinacoteca, Pinacoteca de São Paulo, SP (2015); Incorporations. Europália 2011, La Centrale Eletrique, Bruxelas, Bélgica; Roots and more: the journey of the spirits. Afrika Museum, Holanda (2009); IV Bienal do Mercosul, Rio Grande do Sul, RS; Côte à Côte – Art Contemporain du Brasil – Capcmusée d´Art Contemporain – Bordeaux, França.

 

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Octógono da Pinacoteca recebe exposição interativa de Laercio Redondo

Até fevereiro de 2019, a Pinacoteca de São Paulo apresenta a exposição Laercio Redondo: Relance, que ocupa os espaços do Octógono e também da exposição de longa duração do acervo no primeiro andar da Pinacoteca. Com curadoria de Fernanda Pitta, curadora sênior do museu, e consultoria curatorial da historiadora da arte norte-americana Kaira M. Cabañas, a mostra propõe investigar outras possíveis interpretações das narrativas da história do Brasil, contadas através da coleção do museu, a partir da experiência olfativa.

A prática do artista Laercio Redondo, que vive entre a Suécia e o Brasil, desde há muito se detém sobre imagens da memória coletiva e sobre certos apagamentos na cultura brasileira. Para o Projeto Octógono, o paranaense explora as potencialidades de uma anedota do artista Estevão Silva (c.1844-1891) – o primeiro pintor de ascendência africana a frequentar a Academia Imperial de Belas Artes do Rio de Janeiro –, que se valia do recurso de apresentar suas pinturas de natureza-morta, juntamente com as frutas representadas, de modo que seus odores também fizessem parte da percepção do observador.

Tal estratégia sugeriu a Redondo uma maneira de propor uma intervenção que explorasse outras possibilidades da experiência do objeto artístico para além do visual. Esta resultou na proposta de uma intervenção no Octógono que dá início a um percurso pela coleção do museu em que o público vai encontrar 18 displays posicionados estrategicamente próximos a obras de Anita Malfatti, Almeida Júnior, Claudia Andujar, Maria Martins, entre outros, 8 deles contendo cartões com odores. Os visitantes poderão levá-los para casa. Tais acordes olfativos foram desenvolvidos através de uma parceria entra a curadoria da Pinacoteca e a casa de fragrâncias alemã, Drom Fragrances, criados pelos perfumistas Cleber Bozzi e Luis Paulo Natividade, com a direção olfativa de Matthieu Ferreira, Renata Abelin e Kelly Medeiros que integram o time de fragrâncias e a área criativa da empresa.

A curadora da mostra comenta que “o odor está neste trabalho de Laercio Redondo como um ponto de partida para o desenrolar de histórias de rastros, restos, apagamentos e retornos”, explicando assim que “o privilégio dado ao sentido do olfato é uma estratégia de ativação, de libertação, de outras memórias, permitindo outras interpretações. Redondo, que sempre tem trabalhado com procedimentos de erosão, de revolvimento e reconfiguração das imagens, desta vez estende ao limite a sua iconoclastia, numa atitude que lhe pareceu necessária para de certa maneira escapar ao poder normalizador das imagens”.

Em Relance, que empresta seu título da canção de Caetano Veloso, o artista busca provocar um desvio crítico do valor simbólico e dos significados comumente atribuídos a algumas obras do acervo. A estratégia visa a abrir a possibilidade, a partir da inversão destes sentidos, de novas interpretações, bem como apontar lacunas nas narrativas do Brasil a partir da coleção do museu.

“A aposta, portanto, é de que o cheiro revolva a memória do espectador, produza um embaralhamento e ative uma experiência histórica que transforme a percepção do presente, confrontando seus apagamentos, explicitados pelas imagens.”
Fernanda Pitta
Curadora

 

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Nova mostra da Pina investiga importância da representação do artista

A Pinacoteca de São Paulo apresenta, a partir de 8 de dezembro, a exposição Trabalho de artista: imagem e autoimagem (1826-1929), que ocupa quatro salas do 1º andar da Pina Luz. Com concepção curatorial de Fernanda Pitta, da Pinacoteca de São Paulo, e co-curadoria de Ana Cavalcanti (UFRJ) e Laura Abreu (MNBA), a exposição apresenta um conjunto de cerca de 120 obras – pinturas, esculturas, gravuras e desenhos. São 36 autores, mulheres e homens, que representaram seu trabalho e suas figuras  de artista, entre o século 19 e início do século 20, período em que se constitui o sistema artístico moderno no Brasil.

A exposição, patrocinada pelo Grupo Segurador Banco do Brasil e Mapfre, foi organizada em torno de quatro eixos: Criação e ofício, O ateliê como motivo, A persona do artista (retratos e autorretratos) e O artista e a modelo. O conjunto traz obras que, mais do que o simples exercício da representação de retratos e autorretratos ou de cenas pitorescas de ateliê, representam o esforço de gerações de artistas para apresentar ao público sua imagem e seu trabalho, sua persona e seu universo de criação, legitimando sua presença na cultura  brasileira. Obras como Longe do lar (1884), de Benedito Calixto e O importuno (1898), de Almeida Júnior, ambas pertencentes à coleção da Pinacoteca, são testemunho da autoconsciência dos artistas em construir uma imagem pública de si e de seu ofício.

"No ateliê", de Arthur Timótheo da Costa - Foto: Isabella Matheus

 

Integram também  obras provenientes de 25 coleções privadas e públicas, incluindo o Museu D. João VI (Rio de Janeiro), Museu de Arte de Belém e o Museu de Arte de São Paulo. Além delas, a mostra apresenta ainda fotografias de ateliês, revistas ilustradas com reportagens sobre a vida de pintores e escultores brasileiros, álbuns de artistas, e os primeiros livros dedicados à história da arte e dos artistas no Brasil, como Belas Artes: estudos e apreciações, de Felix Ferreira (1885), A Arte Brasileira: pintura e escultura, (1888) de Gonzaga Duque, e a primeira edição da biografia de Antonio Parreiras, História de um pintor contadas por ele mesmo, (1881-1926), de 1926.

O conjunto propõe demonstrar que a estratégia, usada pelos artistas da época, de construir uma imagem de si mesmos e de seu trabalho significava elevar seu próprio status na sociedade brasileira, tradicionalmente marcada pela desvalorização de todos os ofícios ligados ao artesanato e ao esforço manual. Evidencia também as exigências contraditórias de uma formação artística oferecida pelo sistema acadêmico, dirigida para a pintura de história ou para o monumento público, que também requisitava ao artista que se afirmasse como profissional “em exposição”, que deveria construir sua imagem e reputação, para concorrer num mercado pouco a pouco em expansão.

 

Artistas participantes

Abgail de Andrade, Amadeu Zani, Antonio Parreiras, Arthur Timótheo da Costa , Beatriz Pompeu de Camargo, Benedito Calixto, Benjamin Parlagreco, Carlos Chambelland, Carlos De Servi, Dario Villares Barbosa, Edgard Parreiras, Eliseu Visconti, Eugênio Latour, Gaston Gérard, Georgina de Albuquerque, Giuseppe Leone Righini, Henrique Bernardelli, José Ferraz de Almeida Júnior, Lucilio de Albuquerque, Marques Campão, Modesto Brocos, Nicolas Antoine Taunay, Numa Camille Ayrinhac, Oscar Pereira da Silva, Pedro Américo, Pedro Peres, Pedro Weingartner, Rafael Frederico, Regina Veiga, Rodolfo Amoedo, Rodolpho Bernardelli, Theodoro Braga e Theodoro de Bona.

 

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Em dezembro, Pina apresenta retrospectiva de Rosana Paulino

A Pinacoteca de São Paulo apresenta, de 8 de dezembro de 2018 até 4 de março de 2019, a exposição Rosana Paulino: A Costura da Memória, que ocupa três salas do 1º andar da Pina Luz. Com curadoria de Valéria Piccoli e Pedro Nery, curadores do museu, trata-se da maior exposição individual da artista em uma grande instituição no país. Reconhecida pelo enfrentamento de questões sociais que despontam da posição da mulher negra na sociedade contemporânea, a artista apresenta mais de 140 obras produzidas ao longo de vinte e cinco anos. A mostra encerra o ano dedicado às artistas mulheres na Pinacoteca.

Ao revolver o início de sua história pessoal, Rosana Paulino observa que o problema da representação dos negros traduz-se na sua quase ausência nos mais variados aspectos da vida dos brasileiros e na história, sobretudo na história das artes visuais. A artista surge no cenário artístico nos anos 1990 e se distingue, desde o início de sua prática, como voz única de sua própria geração, ao abordar de forma afiada temas socais, étnicos e de gênero. Questões perturbadoras no contexto da sociedade brasileira.

A produção de Paulino tem abordado situações decorrentes do racismo e dos estigmas deixados pela escravidão que circundam a condição da mulher negra na sociedade brasileira, bem como os diversos tipos de violência sofridos por esta população. A artista se vale de técnicas diversas – instalações, gravuras, desenhos, esculturas, etc – e as coloca a serviço do questionamento da visão colonialista da história que subsidia a (falsa) noção de democracia racial brasileira. Esses fundamentos embasaram o conhecimento científico e biológico dos povos e da natureza dos trópicos, contaminaram as narrativas religiosas até atingir o foro doméstico, servindo como eixo para a legitimação da supressão identitária dos africanos e africanas no Brasil.

A exposição Rosana Paulino: A Costura da Memória reúne obras produzidas entre 1993 e 2018, como Bastidores (1997) e Parede da memória (1994-2015), decisivas do início de sua carreira. Estas remontam à sua narrativa pessoal e se apresentam como ponto de partida do percurso expositivo. Situadas na sala principal, a primeira traz, como no título, uma série de suportes para bordar com figuras de mulheres de sua família impressas em tecido cujos olhos, bocas e gargantas estão costurados, indicando o emudecimento imposto às mulheres negras, muitas vezes fruto da violência doméstica.

Parede da memória, que pertence à coleção da Pinacoteca, é composta de 1500 “patuás“ – pequenas peças usadas como amuletos de proteção por religiões de matriz africana – que traz onze retratos de família que se multiplicam, uma forma natural da artista investigar a própria identidade a partir de seus ancestrais. Antigas fotos de família são então transformadas em uma poética e poderosa denúncia sobre a invisibilidade dos negros e negras, que não são percebidos como indivíduos mas como um grupo de anônimos.

Na sala seguinte, estarão expostos vários conjuntos de desenhos, “um aspecto pouco abordado na obra de Rosana Paulino, mais conhecida pelas instalações e obras em gravura”, comenta a curadora Valéria Piccoli. Nesses desenhos, a artista revela sua fascinação pela ciência e, em especial, pela ideia da vida em eterna transformação. Os ciclos da vida de um inseto se aproximam nessas obras das mutações no corpo feminino, por exemplo. As séries de desenhos serão expostas junto da instalação Tecelãs (2003), composta de cerca de 100 peças em faiança, terracota, algodão e linha, que leva para o espaço tridimensional o tema da transformação da vida explorado nos desenhos.

A iconografia da natureza brasileira do século XIX – incluindo ilustrações científicas de plantas, animais e pessoas – também tem servido como fonte material para Paulino. Ao retrabalhar essas imagens, que circularam principalmente em livros de autoria de viajantes europeus, a artista investiga como a ciência, mas também a religião e as noções de progresso serviram como justificativa para a colonização, a escravidão e o racismo. Este interesse pode ser visto nas colagens feitas com impressões, gravuras e monotipias, A Geometria à brasileira chega ao paraíso tropical (2018) e Paraiso tropical (2017), que se encontram na terceira e última sala da exposição.

Junto a elas está a instalação Assentamento (2013), composta de figuras em tamanho real de uma escravizada retratada por Ausgust Sthal para a expedição Thayer, comandada pelo cientista Louis Agassiz. Essas imagens monumentais impressas em tecido, material predominante na prática mais recente de Paulino, são acompanhadas de vídeos e fardos de mãos. Os tecidos, suturados de forma grosseira, denunciam o trauma da escravidão e a necessidade de “refazimento”, como estratégia de sobrevivência, destes homens e mulheres que aqui aportaram.

"A figura que deveria ser uma representação da degeneração racial a que o país estava submetido, segundo as teorias racistas da época, passa a ser a figura de fundação de um país, da cultura brasileira. Essa inversão me interessa”.
Rosana Paulino

O título da obra, que encerra a exposição, traz um duplo sentido: é tanto a fundação de uma cultura, de uma identidade , quanto a energia mágica que mantém o terreiro, segundo as religiões de raiz africana. “É onde se encontra a força da casa, seu ´axé´, finaliza a artista.

 

SOBRE ROSANA PAULINO

Nascida em São Paulo, em 1967, é Doutora em Artes Visuais pela Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo – Eca/USP, é Especialista em Gravura pelo London Print Studio, de Londres e Bacharel em Gravura pela Eca/USP. Foi bolsista do programa da Fundação Ford nos anos de 2006 a 2008 e Capes, de 2008 a 2011. Em 2014 foi agraciada com a bolsa para residência no Bellagio Center, da Fundação Rockefeller, em Bellagio, Itália e em 2017 foi vencedora do dos Prêmio Bravo e ABCA – Associação Brasileira dos Críticos de Arte, na modalidade Arte contemporânea.    Possui obras em importantes museus tais como MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo; UNM – University of New Mexico Art Museum, New Mexico, USA e Museu Afro-Brasil – São Paulo. Tem participado ativamente de diversas exposições, tanto no Brasil como no exterior, das quais se destacam a individual Atlântico Vermelho, no Padrão dos Descobrimentos em Lisboa, Portugal (2017) Mulheres Negras – Obscure Beauté du Brésil. Espace Cultural Fort Grifoon à Besançon, França (2014); e participações nas exposições coletivas: South-South: Let me Begin Again. Goodman Gallery, Cidade do Cabo, África do Sul (2017); Territórios: Artistas Afrodescendentes no Acervo da Pinacoteca, Pinacoteca de São Paulo, SP (2015); Incorporations. Europália 2011, La Centrale Eletrique, Bruxelas, Bélgica; Roots and more: the journey of the spirits. Afrika Museum, Holanda (2009); IV Bienal do Mercosul, Rio Grande do Sul, RS; Côte à Côte – Art Contemporain du Brasil – Capcmusée d´Art Contemporain – Bordeaux, França.

Agenda e ingressos

Onde fica?

 

Visitação: de 8 de dezembro de 2018 até 4 de março de 2019

De quarta a segunda, das 10h às 17h30 – com permanência até as 18h


 

Ingressos: R$ 6,00 (entrada); R$ 3,00 (meia-entrada para estudantes com carteirinha). Menores de 10 anos e maiores de 60 são isentos de pagamento *. Aos sábados, a entrada da Pina é gratuita para todos.

* A partir do dia 2 de janeiro de 2019, o ingresso passará a custar R$ 10 (inteira) e R$ 5 (meia-entrada).

 

São Paulo Cia de Dança ocupa octógono da Pinacoteca

A Pinacoteca de São Paulo e a São Paulo Companhia de Dança apresentam, nos dias 20, 21 e 27 de outubro e 2, 3 e 4 de novembro, no Octógono da Pinacoteca as coreografias Mira, de Milton Coatti e Mamihlapinatapai, de Jomar Mesquita, que foram adaptadas para dialogar com o espaço. As apresentações ocorrem sempre às 15h, com entrada gratuita, e são exibidas com figurino exclusivo assinado pela marca UMA por Raquel Davidowicz.

 

“Levar a dança para a Pinacoteca traz um novo movimento para este espaço, pois coloca o público em contato mais direto com os bailarinos, uma vez que o ‘palco’ é também o espaço do plateia. Viveremos novas percepções e olhares para as duas obras escolhidas para este encontro.”
Inês Bogéa
Diretora da São Paulo Companhia de Dança

Durante o espetáculo Mira, dez pessoas dentre o público poderão ficar no espaço do palco com os bailarinos no momento em que estarão dançando, passando a integrar este grupo, provocando novas possibilidades do olhar. Ao término desta coreografia, o público também poderá vivenciar a plenitude da experiência imersiva através dos óculos VR, que estarão disponíveis no local (25 minutos com 5 grupos de até 5 pessoas).

Mamihlapinatapai, apresentada pela companhia desde 2012, completa a programação com a proposta do coreógrafo em desconstruir movimentos da dança de salão para sugerir a relação de desejo entre duas pessoas. Aqui também a obra será adaptada para o espaço, criando novas dinâmicas nesta dança.

As apresentações fazem parte do programa Dança na Pina, criado em 2017 com intuito de trazer outras linguagens artísticas para dialogar com a arquitetura do museu. Sua estreia contou com o espetáculo Deslocamentos, da bailarina e coreógrafa Marta Soares.

Segundo Jochen Volz, diretor geral da Pinacoteca, Dança na Pina é um programa que parte da nossa missão de promover sempre uma nova experiência do público com a arte, estimulando a criatividade e a construção de conhecimento. A parceria com a São Paulo Companhia de Dança ativa os espaços do museu de maneira surpreendente e permite diálogos potentes com o acervo da instituição”.

 

Ficha Técnica

MIRA (2018)

Direção: Inês Bogéa e Luciano Cury

Produção Executiva: João Marcello Bôscoli

Trilha: Max Richter, Vivaldi – The Four Seasons Winter 3

Coreografia: Milton Coatti

Filmagem e edição: Panogramma

Criação de Figurinos: Raquel Davidowicz – UMA

Styling: Paula Iglecio

Duração: 4 minutos

Desenvolvida sob a ideia de visualização em 360o e realidade virtual (VR), a criação coreográfica de Milton Coatti para a SPCD procura traduzir em movimento as questões que assolam o ser humano. Conhecida pelos antigos como uma das mais brilhantes estrelas visíveis no hemisfério sul, Mira tem períodos de mudanças significativas na sua aparência. Inquietações, questionamentos e uma certa angústia movem os bailarinos a buscarem uma resposta a esses sentimentos e sensações. Nessa procura, miram a si mesmos e aos outros para reencontrarem a beleza, a luz e o amor aparentemente perdidos (ou temporariamente esquecidos), mas ainda com uma reserva de esperança e com a perspectiva de que, em algum momento, o encontro ideal, consigo e com o outro, irá se concretizar.

Elenco

O número de bailarinos varia de 8 a 15 pessoas dependendo do dia da apresentação:

Ammanda Rosa/ Carolina Pegurelli, Ana Paula Camargo, Ana Roberta Teixeira/ Poliana Souza, Beatriz Hack, Daniel Reca, Geivison Moreira, Joca Antunes, Letícia Forattini/ Ísis Soares, Luiza Yuk, Matheus Queiroz, Michelle Molina/ Larissa Guerra, Otavio Portela, Renata Peraso/ Laura Barbosa.

Experiência em realidade virtual

Uma experiência multimídia sensorial e perceptiva de artistas e espectadores, com a tecnologia VR (Realidade Virtual), que nos coloca no “centro do palco”, com uma visão 360 da obra. É também um filme que instiga o espectador a assisti-lo por diversas vezes, escolhendo diferentes pontos de vista da mesma coreografia. Mira é um convite a múltiplos olhares para a dança de hoje. Neste momento, até 25 pessoas a cada dia, poderão ter a experiência da realidade virtual assistindo ao filme MIRA, com 5 minutos de duração, com os óculos VR.

Duração total da atividade: 25 minutos

 

MAMIHLAPINATAPAI (2012)

Coreografia: Jomar Mesquita com colaboração de Rodrigo de Castro
Músicas: Marina de La Riva, composição de Silvio Rodrígues (Te Amaré Y Después); Rodrigo Leão (No Se Nada); e Cris Scabello (Tema final); Cartola e Grupo Planetangos (As Rosas não Falam).
Figurinos: Cláudia Schapira
Iluminação: Joyce Drummond

Duração: 20 minutos

Mamihlapinatapai trata da relação de desejo entre homem e mulher. Um olhar compartilhado por duas pessoas, cada uma desejando que a outra tome uma iniciativa para que algo aconteça, porém, nenhuma delas age. Este é significado de Mamihlapinatapai, palavra indígena originária da língua yaghan, de uma tribo da Terra do Fogo. O coreógrafo Jomar Mesquita utiliza elementos desconstruídos da dança de salão para criar a peça.

Elenco

Carolina Pegurelli, Felipe Vasques, Gabriel Fernandes, Ísis Soares/Laura Barbosa, Larissa Guerra, Luan Barcelos, Matheus Queiroz e Poliana Souza.

 

Visite

Valeska Soares aborda as memórias e os afetos em mostra na Pinacoteca

Exposição da mineira radicada em Nova York desde 1990 percorre 30 anos de produção, incluindo pinturas, colagens, objetos, instalações e esculturas

  (mais…)

Acessibilidade: Pinacoteca realiza contação de histórias em LIBRAS

A Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria da Cultura do Estado, realiza no dia 30 de junho, sábado, a partir das 15h00, mais uma edição da Contação de História em Libras (Língua Brasileira de Sinais). A narrativa, conduzida pela educadora surda Sabrina Denise Ribeiro e pela intérprete de Libras Elisabeth Figueira, será construída a partir da obra O Tempo, 1925, de Henrique Bernardelli, presente na exposição Arte no Brasil: uma história na Pinacoteca de São Paulo.

"O Tempo", de Henrique Bernardelli

A atividade, que tem duração média de uma hora, é aberta a surdos e ouvintes, com o objetivo de promover uma aproximação entre ambos. A Contação de História em Libras integra uma série de ações inclusivas que têm como um de seus objetivos o acesso qualificado ao patrimônio artístico e cultural do museu para o público surdo visitante, proporcionando à comunidade surda um ambiente linguístico favorável à compreensão desse espaço.

Dentre as ações oferecidas, destaca-se a concepção de atividades para o mês do surdo (“Setembro Azul”) e a presença de intérprete de Libras em palestras e mesas redondas promovidas pelo museu bem como no curso Ensino da Arte na Educação Especial e Inclusiva, direcionado a profissionais que atuam com pessoas com deficiência. Também compreende a utilização de tecnologia assistiva, a exemplo do “Videoguia em Libras” e do “ICOM Libras”, este último disponível para computadores, tablets e celulares.

 

Onde

Camerata Cantareira apresenta peças de Corelli, Bach e Villa-Lobos na Pinacoteca de São Paulo

Concerto faz parte do projeto Música na Pina que se desenrola até novembro de 2018

Sob a direção de Marcelo Jaffé, acontece neste domingo, dia 24 de junho de 2018, o terceiro concerto da Camerata Cantareira, no Auditório Alfredo Mesquita da Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo. A apresentação faz parte do projeto Música na Pina e está marcada para 16h00. A orquestra de cordas apresentará o Concerto Grosso, op. 6 n.1 de Corelli, o Concerto de Brandembrugo n. 3 de Bach e encerra o programa com as Bachianas Brasileiras n. 9 de Villa-Lobos.

Sobre a Camerata Cantareira

A orquestra de cordas da Faculdade Cantareira se consagra como um dos grupos de câmara acadêmicos mais qualificados em técnica e expressividade artística no cenário musical paulistano. O projeto da Camerata envolve a execução do repertório consagrado da música de concerto, a divulgação da música brasileira e obras especialmente escritas para o grupo, estimulando a composição contemporânea para esta formação. Desde março de 2015, realiza concertos no Auditório Alfredo Mesquita da Pinacoteca Luz.  www.cantareira.br

Data: 24 de junho de 2018, domingo

Horário: às 16h00

Local: Pinacoteca – Auditório Alfredo Mesquita – térreo

Entrada: R$ 6,00 (inteira) / R$ 3,00 (meia). Crianças até 10 anos e pessoas maiores de 60 anos não pagam. O ingresso da Pinacoteca dá direto a assistir ao concerto gratuitamente. Entrada sujeita a lotação do espaço.

Próximas apresentações: 26/08, 23/09, 28/10 e 25/11 – aos domingos

SERVIÇO

Pinacoteca de São Paulo, Praça da Luz, 02

(11) 3324-1000

www.pinacoteca.org.br 

 

Parceria com OSESP leva música para a Pinacoteca

A Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, apresenta, no dia 20/6, o Quinteto de Sopros Zephyros, segundo concerto da Série BNP Paribas de Música de Câmara, realizado em parceria com a OSESP – Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo. O grupo é formado pelos músicos da Osesp Cláudia Nascimento (flauta), Arcádio Minczuk (oboé), Ovanir Buosi (clarinete) e Fábio Cury (fagote) e apresentará obras de WOLFGANG AMADEUS MOZART (Fantasia em Fá Maior, KV 608), CARL NIELSEN (Quinteto, Op.43) e de RONALDO MIRANDA (Variações Sérias Sobre um Tema de Anacleto de Medeiros).

Confira a programação:

A Pinacoteca receberá o Quinteto de Sopros Zephyros, formado pelos músicos da Osesp Cláudia Nascimento (flauta), Arcádio Minczuk (oboé), Ovanir Buosi (clarinete) e Fábio Cury (fagote). O grupo apresentará obras de WOLFGANG AMADEUS MOZART (Fantasia em Fá Maior, KV 608), CARL NIELSEN (Quinteto, Op.43) e de RONALDO MIRANDA (Variações Sérias Sobre um Tema de Anacleto de Medeiros).

Data: 20/06 – quarta-feira

Horário: às 19h30min

Local: Pina Luz, Átrio – 2º andar

Entrada gratuita mediante retirada de ingressos 30 minutos antes do concerto.

O grupo executará peças de HEITOR VILLA-LOBOS (Cinco Prelúdios para Violão e Quinteto de Cordas) e CLAUDE DEBUSSY (Sonata para Flauta, Viola e Harpa). Cláudia Nascimento (flauta), Ederson Fernandes (viola), Suelen Sampaio (harpa), Adrian Petrutiu (violino), Adriana Holtz (violoncelo) e Fábio Zanon (violão).

Data: 29/08 – quarta-feira

Horário: às 19h30min

Local: Pina Luz, Átrio – 2º andar

Entrada gratuita mediante retirada de ingressos 30 minutos antes do concerto.

Fundado em 2011, o Camaleon Bassoons é composto pelos integrantes do naipe de fagotes da Osesp Alexandre Silvério, José Arion Liñarez, Francisco Formiga e Romeu Rabelo, incluindo a convidada, também fagotista, Mariana Bergenstein.

Desde a sua criação, o Camaleon Bassons visa difundir o som do fagote através de um repertório inovador e criativo, incluindo desde obras originais para essa formação, até arranjos e transcrições inovadoras. O grupo apresentará, no Átrio da Pina Luz, peças de JOHANN SEBASTIAN BACH (Prelúdio e Fuga, BWV 553-560 – arranjo de Romeu Rabelo), ALLAN STEPHERSON (Divertimento), HEITOR VILLA-LOBOS (Choro n.5 – arranjo de Romeu Rabelo), TOM JOBIM E VINÍCIUS DE MORAES (Orfeu da Conceição: Abertura – arranjo de Romeu Rabelo), LEONARD BERNSTEIN (Wonderful Town: Abertura – arranjo de Romeu Rabelo), RICHARD RODGERS (My Favorite Things – arranjo de Alexandre Silvério), DUKE ELLINGTON (In a Sentimental Mood – arranjo de Alexandre Silvério) e PAUL DESMOND (Take Five – arranjo de Alexandre Silvério).

Data: 12/09 – quarta-feira

Horário: às 19h30min

Local: Pina Luz, Átrio – 2º andar

Entrada gratuita mediante retirada de ingressos 30 minutos antes do concerto.

Fundado em 2008, o Quarteto Osesp reúne o spalla da Orquestra, Emmanuele Baldini, o violinista Davi Graton, o violista Peter Pas e a violoncelista Heloisa Meirelles. Desde sua fundação, o Quarteto Osesp tem sua própria série na Sala São Paulo, na qual são apresentadas obras clássicas e propostas inovadoras e criativas. Seu repertório é extremamente vasto, incluindo obras que vão da época barroca até os jovens compositores contemporâneos. Apresentarão obras de FRANZ SCHUBERT (Quartettsatz, D 703), EDINO KRIEGER (Telas Sonoras) e LUDWIG VAN BEETHOVEN (Quarteto, Op.59).

Data: 24/10 – quarta-feira

Horário: às 19h30min

Local: Pina Luz, Átrio – 2º andar

Entrada gratuita mediante retirada de ingressos 30 minutos antes do concerto.

Com uma formação inusitada, reunindo violino, contrabaixo, piano e vibrafone, o Escualo Ensemble dedica-se a explorar o tango com arranjos e interpretações sofisticadas. O grupo é composto pelos músicos da Osesp Amanda Martins (violino), Claudio Torezan (contrabaixo) e Rubén Zúñiga (vibrafone) e pelos convidados Daniel Grajew (piano). Finalizando a Série BNP Paribas de Música de Câmara, o grupo apresentará um repertório especial de tango contemporâneo, com peças de compositores icônicos do gênero como ASTOR PIAZZOLLA (Escualo, Milonga en Re e Zum), OSVALDO FRESEDO (Mi Viejo Reloj), DANIEL GRAJEW (Milonga Cuera), DIEGO SCHISSI (Astor de Pibe), OSVALDO PUGLIESE (Negracha), LEOPOLDO FEDERICO (Cabulero) e HORACIO SALGÁN (A fuego lento).

Data: 05/12 – quarta-feira

Horário: às 19h30min

Local: Pina Luz, Átrio – 2º andar

Entrada gratuita mediante retirada de ingressos 30 minutos antes do concerto.

Onde

Laura Lima instala oficina de alfaiataria no octógono da Pinacoteca

A Pinacoteca de São Paulo apresenta, de 7/7 a 8/10, a exposição “Laura Lima: Alfaiataria”, que ocupa o Octógono, no primeiro andar da Pina Luz. Laura Lima (1971, Governador Valadares) cria um diálogo inovador com a prática do museu ao apresentar uma oficina de alfaiataria em funcionamento, com profissionais, tecidos, aviamentos e todo o maquinário de uma confecção.

Nela, uma equipe de alfaiates e costureiras trabalhará todos os dias ao longo da exposição. Eles irão produzir uma coleção de trajes confeccionados sobre molduras vazias, criando retratos que interpretam, a partir de seus próprios saberes e experiências, as ideias e desenhos da artista. O espaço será ativado pela presença desses profissionais e de suas atividades – modelar, cortar, alinhavar, costurar, passar, finalizar e, ao longo do período expositivo, o público testemunhará o surgimento dessas peças que ficarão armazenadas numa reserva técnica suspensa no octógono, construída especialmente para o projeto. Espera-se que em torno de 30 obras sejam produzidas até o final da mostra.

“Lima recusa-se a chamar seus trabalhos de performances. Para a artista, não se trata de sublinhar os sujeitos ou a subjetividade de suas ações, mas entender os participantes (que ela chama de viventes) também como matéria da obra de arte, ocupando o espaço do mesmo modo que os objetos, o mobiliário e a própria arquitetura.”
Fernanda Pitta
Curadora da exposição

Em Alfaiataria, ao recorrer a um fazer tradicional, especializado e altamente elaborado como o dos alfaiates e costureiras, Lima também propõe um paralelismo com o fazer artístico e uma reflexão sobre o tempo e o valor do trabalho. A obra dialoga com o espaço e a história da Pinacoteca, já que instala uma oficina num edifício que teve originalmente essa função, pois foi criado para ser a sede do Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo. Também permite uma relação com o próprio ambiente urbano do museu, o bairro do Bom Retiro, com sua tradição de oficinas de costura, lojas de tecidos e confecções, e de seus profissionais de comunidades variadas como a judaica, a coreana e boliviana.

A produção de Lima se debruça sobre a complexidade dos comportamentos individuais e coletivos. Desde o início de sua trajetória, em 1990, a mineira utiliza seres vivos (humanos ou animais) como parte de sua obra. Em suas ações ou esculturas, o objeto artístico é frequentemente ativado por longos períodos ininterruptos. Suas referências vão desde a história da arte à ficção científica, com a utilização de técnicas que variam de intrincados desenhos e colagens, à colaboração com artistas e artesãos que ativam suas obras.

Alfaiataria foi exposta pela primeira vez no Bonnefanten Museum de Maastricht, Holanda, de 2014 a 2015, como parte da individual da artista no museu durante a qual foi agraciada com o prestigiado prêmio Bonnefanten Award for Contemporary Art 2014.

 

Onde

Laura Lima instala oficina de alfaiataria no Octógono da Pinacoteca

Obra dialoga com a história do museu, que um dia foi sede do Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo, e com a tradição de costura do bairro do Bom Retiro

  

Alfaiates trabalhando, à esquerda, e pendurando peça finalizada durante a apresentação da obra no Bonnefanten Museum de Maastrich, Holanda

 Abertura: 7 de julho de 2018, sábado, às 11h00

Em cartaz: até 8 de outubro de 2018

A Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, apresenta, de 7 de julho a 8 de outubro de 2018, a exposição Laura Lima: Alfaiataria, que ocupa o Octógono, no primeiro andar da Pina Luz. Laura Lima (1971, Governador Valadares) cria um diálogo inovador com a prática do museu ao apresentar uma oficina de alfaiataria em funcionamento, com profissionais, tecidos, aviamentos e todo o maquinário de uma confecção.

Nela, uma equipe de alfaiates e costureiras trabalhará todos os dias ao longo da exposição. Eles irão produzir uma coleção de trajes confeccionados sobre molduras vazias, criando retratos que interpretam, a partir de seus próprios saberes e experiências, as ideias e desenhos da artista. O espaço será ativado pela presença desses profissionais e de suas atividades – modelar, cortar, alinhavar, costurar, passar, finalizar e, ao longo do período expositivo, o público testemunhará o surgimento dessas peças que ficarão armazenadas numa reserva técnica suspensa no octógono, construída especialmente para o projeto. Espera-se que em torno de 30 obras sejam produzidas até o final da mostra.

Ao instalar um espaço de trabalho com pessoas reais no centro da Pinacoteca, Laura Lima retira a ênfase dada aos objetos artísticos no espaço do museu para focar-se em acontecimentos. Segundo a curadora Fernanda Pitta “Lima recusa-se a chamar seus trabalhos de performances. Para a artista, não se trata de sublinhar os sujeitos ou a subjetividade de suas ações, mas entender os participantes (que ela chama de viventes) também como matéria da obra de arte, ocupando o espaço do mesmo modo que os objetos, o mobiliário e a própria arquitetura”.

Em Alfaiataria, ao recorrer a um fazer tradicional, especializado e altamente elaborado como o dos alfaiates e costureiras, Lima também propõe um paralelismo com o fazer artístico e uma reflexão sobre o tempo e o valor do trabalho. A obra dialoga com o espaço e a história da Pinacoteca, já que instala uma oficina num edifício que teve originalmente essa função, pois foi criado para ser a sede do Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo. Também permite uma relação com o próprio ambiente urbano do museu, o bairro do Bom Retiro, com sua tradição de oficinas de costura, lojas de tecidos e confecções, e de seus profissionais de comunidades variadas como a judaica, a coreana e boliviana.

A produção de Lima se debruça sobre a complexidade dos comportamentos individuais e coletivos. Desde o início de sua trajetória, em 1990, a mineira utiliza seres vivos (humanos ou animais) como parte de sua obra. Em suas ações ou esculturas, o objeto artístico é frequentemente ativado por longos períodos ininterruptos. Suas referências vão desde a história da arte à ficção científica, com a utilização de técnicas que variam de intrincados desenhos e colagens, à colaboração com artistas e artesãos que ativam suas obras.

Alfaiataria foi exposta pela primeira vez no Bonnefanten Museum de Maastricht, Holanda, de 2014 a 2015, como parte da individual da artista no museu durante a qual foi agraciada com o prestigiado prêmio Bonnefanten Award for Contemporary Art 2014.

PROJETO OCTÓGONO

Criado em 2003, o projeto Octógono Arte Contemporânea ocupa um espaço importante do museu apresentando produções de arte contemporânea comissionadas pelo museu. Ao longo desses 15 anos, o projeto apresentou cerca de 40 sites-specifics de artistas brasileiros e estrangeiros, entre eles Ana Maria Tavares, Artur Lescher, Carla Zaccagnini, Carlito Carvalhosa, Joana Vasconcelos, João Loureiro, José Spaniol, Laura Vinci, Regina Silveira, Rubens Mano, entre outros.

SOBRE A ARTISTA

Laura Lima nasceu em Governador Valadares, MG (1971) e vive e trabalha no Rio de Janeiro, RJ. Em 2014 recebeu o prêmio “Bonnefanten”. Exposições recentes incluem: A room and a half, CCA Center for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Varsóvia, Polônia (2017); H, Fundação Prada (Cisterna), Milão, Itália (2017); A GENTIL CARIOCA JAQUELINE MARTINS, Galeria Jaqueline Martins, São Paulo (2017); Lugares do Delírio (2017 e 2018), no MAR, Rio de Janeiro e no Sesc Pompéia, em São Paulo; Illusion and Revelation (2016-2017), Bonnefanten Museum, Holanda. Lima tem participações nas Bienais de São Paulo de 1998 e de 2006 e é sócia-fundadora, ao lado de Marcio Botner e Ernesto Neto, da galeria A Gentil Carioca, no Rio de Janeiro.

SERVIÇO

Laura Lima: Alfaiataria

Abertura: 7 de julho de 2018, sábado, às 11h00

Visitação: de 7 de julho a 8 de outubro de 2018

De quarta a segunda-feira, das 10h00 às 17h30 – com permanência até às 18h00

Pinacoteca: Praça da Luz 2, São Paulo, SP

Ingressos: R$ 6,00 (entrada); R$ 3,00 (meia-entrada para estudantes com carteirinha)

Menores de 10 anos e maiores de 60 são isentos de pagamento.

Aos sábados, a entrada da Pina é gratuita para todos.

A Pina Estação é gratuita todos os dias.

Amigo da Pina tem acesso ilimitado além de desconto na loja e no café. Também pode participar de visitas guiadas e outros eventos com a equipe da Pinacoteca. Para saber mais sobre o programa, acesse: http://pinacoteca.org.br/apoie/amigos-da-pina/

Em agosto, “Mulheres radicais” desembarca na Pinacoteca

"Limitada" - Foto: Marie Orenzans

A Pinacoteca de São Paulo apresenta, a partir de 18/8, a grande exposição coletiva Mulheres radicais: arte latino-americana, 1960-1985, no primeiro andar da Pinacoteca. A mostra tem curadoria da historiadora venezuelana Cecilia Fajardo-Hill e da pesquisadora argentina Andrea Giunta e é a primeira na história a levar ao público um significativo mapeamento das práticas artísticas experimentais realizadas por artistas latinas e a sua influência na produção internacional. Quinze países estarão representados por 120 artistas, reunindo mais de 280 trabalhos em fotografia, vídeo, pintura e outros suportes.  A apresentação na capital paulista conta com a colaboração de Valéria Piccoli, curadora-chefe da Pinacoteca.

A exposição aborda uma lacuna na história da arte ao dar visibilidade à surpreendente produção, realizada entre 1960 e 1985, dessas mulheres residentes em países da América Latina, além de latinas e chicanas nascidas nos Estados Unidos. Entre elas, constam na mostra algumas das artistas mais influentes do século XX — como Lygia Pape, Cecilia Vicuña, Ana Mendieta, Anna Maria Maiolino, Beatriz Gonzalez e Marta Minujín — ao lado de nomes menos conhecidos — como a artista cubana Zilia Sánchez, cujos trabalhos são imbuídos de abstração geométrica e erotismo, a escultora colombiana Feliza Bursztyn e as brasileiras Leticia Parente, uma das pioneiras da vídeoarte, e Teresinha Soares, escultora e pintora mineira que vem recebendo atenção internacional recentemente.

O recorte cronológico da coletiva é tido como decisivo tanto na história da América Latina, como na construção da arte contemporânea e nas transformações acerca da representação simbólica e realista do corpo feminino. Durante esse período, as artistas pioneiras partiram da noção do corpo como um campo político e embarcaram em investigações radicais e poéticas para desafiar as classificações dominantes e os cânones da arte estabelecida. “Essa nova abordagem instituiu uma pesquisa sobre o corpo como redescoberta do sujeito, algo que, mais tarde, viríamos a entender como uma mudança radical na iconografia do corpo”, contam as curadoras. Essas pesquisas, segundo elas, acabaram por favorecer o surgimento de novas veredas nos campos da fotografia, da pintura, da performance, do vídeo e da arte conceitual.

A abordagem das artistas latino-americanas foi uma forma de enfrentar a densa atmosfera política e social de um período fortemente marcado pelo poder patriarcal (nos Estados Unidos) e pelas atrocidades das ditaduras apoiadas por aquele país (na América Central e do Sul), que reprimiram esses corpos, sobretudo os das mulheres, resultando em trabalhos que denunciavam a violência social, cultural e política da época. “As vidas e as obras dessas artistas estão imbricadas com as experiências da ditadura, do aprisionamento, do exílio, tortura, violência, censura e repressão, mas também com a emergência de uma nova sensibilidade”, conta Fajardo-Hill.

Para Giunta, tópicos como o poético e o político são explorados, na exposição, “em autorretratos, na relação entre corpo e paisagem, no mapeamento do corpo e suas inscrições sociais, nas referências ao erotismo, ao poder das palavras e ao corpo performático, a resistência à dominação; feminismos e lugares sociais”. E complementa: “Estes temas atravessaram fronteiras, surgindo em obras de artistas que vinham trabalhando em condições culturais muito diferentes”, completa. Não à toa, a mostra é estruturada no espaço expositivo em torno de temas em vez de categorias geográficas. A curadora da Pinacoteca, Valéria Piccoli, destaca a importância da representatividade das brasileiras dentro da mostra: “além dos nomes que participaram das exposições no Hammer e no Brooklyn Museum, também vamos incluir mais quatro na apresentação em São Paulo”, revela.

A América Latina conserva uma forte história de militância feminista que – com exceção do México e alguns casos isolados em outros países nas décadas de 1970 e 1980 – não foi amplamente refletida nas artes. Mulheres radicais propõe consolidar, internacionalmente, esse patrimônio estético criado por mulheres que partiram do próprio corpo para aludir – de maneira indireta, encoberta ou explícita – as distintas dimensões da existência feminina. Para tanto, as curadoras vêm realizando uma intensa pesquisa, desde 2010, que inclui viagens, entrevistas, análise de publicações nas bibliotecas da Fundação Getty, da Universidade do Texas entre diversas outras.

O argumento central da exposição mostra que, embora boa parte dessas artistas tenham sido figuras decisivas para a expansão e diversificação da expressão artística em nosso continente, ainda assim não haviam recebido o devido reconhecimento. “A exposição surgiu de nossa convicção comum de que o vasto conjunto de obras produzidas por artistas latino-americanas e latinas tem sido marginalizado e abafado por uma história da arte dominante, canônica e patriarcal”, definem as curadoras.  Segundo o diretor da Pinacoteca, Jochen Volz, “foram, principalmente, artistas mulheres as pioneiras que experimentaram novas formas de expressão, como performance e vídeo, entre outras. Assim, a itinerância da mostra Mulheres radicais para o Brasil é de grande relevância para a pesquisa contemporânea artística e acadêmica e o público em geral”.

Esse rico conjunto de trabalhos, bem como os arquivos de pesquisa, coletados para a concepção da exposição, chegam finalmente ao público paulista, contribuindo para abrir novos caminhos investigativos e entendimentos acerca da história latino-americana. “O tópico agora faz parte de uma pauta ampla e ao mesmo tempo urgente. Entretanto, ainda há muito trabalho a ser feito e temos plena consciência de que este é apenas o começo”, finalizam as curadoras.

 

A exposição

“Mulheres radicais: arte latino-americana, 1960-1985” foi organizada pelo Hammer Museum, de Los Angeles, como parte da Pacific Standard Time: LA/LA, uma iniciativa da Getty em parceria com outras instituições do Sul da Califórnia e teve curadoria das convidadas Cecilia Fajardo-Hill e Andrea Giunta. Sua apresentação na Pinacoteca de São Paulo conta com o patrocínio do Itaú, Escritório Mattos Filho, Veiga Filho, Marrey Jr. e Quiroga Advogados e Banco BTG Pactual, além do apoio de JK Iguatemi e revista Claudia.

A exposição foi realizada graças ao apoio da Getty Foundation. A maior parte dos recursos da mostra foram promovidos por Diane and Bruce Halle Foundation e Eugenio López Alonso. Apoio generoso foi oferecido por Vera R. Campbell Foundation, Marcy Carsey, Betty e Brack Duker, Susan Bay Nimoy e Visionary Women.

 

Exhibition Circle

Pela primeira vez em sua história, a Pinacoteca concebe um Exhibition Circle — prática bastante comum nos EUA e na Europa para arrecadar fundos — especialmente para esta exposição. Para a ocasião, o museu convidou 30 mulheres inspiradoras e pioneiras em suas áreas de atuação para colaborarem financeiramente na viabilização de “Mulheres Radicais”. “Convidamos mulheres que refletem o espírito desta exposição e que, para nós, são fonte de admiração e merecem reconhecimento público. O grupo que chamamos carinhosamente de ´Mulheres Extraordinárias´ representa o engajamento e o pioneirismo feminino em diversas áreas da sociedade”, conta Paulo Vicelli, diretor de Relações Institucionais da Pinacoteca. Integra a lista de homenageadas: Adriana Cisneros, Ana Lucia de Mattos Barretto Villela, Catherine Petigás, Estrellita Brodsky, Luisa Strina, Fernanda Feitosa, Lygia da Veiga Pereira Carramaschi, Luiza Helena Trajano, entre outras.

 

Onde

Pinacoteca conquista novo complexo arquitetônico

A Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, oficializou na manhã de quarta-feira, 13 de junho de 2018, a conquista do complexo arquitetônico onde funcionará a Pinacoteca Contemporânea, terceiro edifício da instituição voltado para exposições de obras das últimas décadas, oficinas, programação cultural e promoção de atividades que integrem o entorno do museu com o novo edifício.

Da esquerda para a direita: José Olympio Pereira, Presidente do Conselho de Administração da APAC; Patrícia Penna, secretária-adjunta da Cultura do Estado; Romildo Campello, secretário da Cultura do Estado; Jochen Volz, Diretor Geral da Pinacoteca e Regina Ponte, coordenadora da unidade de Museus da Secretaria da Cultura do Estado (Foto: Joca Duarte)

O evento, que contou com a presença do Secretário da Cultura do Estado de São Paulo, Romildo Campello, do Presidente do Conselho de Administração da Associação Pinacoteca Arte e Cultura – APAC (Organização Social responsável pela Pinacoteca – Luz e Estação e Memorial da Resistência) e do Diretor Geral da Pinacoteca Jochen Volz, marca a transferência do edifício que sediou, até 2014, o Grupo Escolar Prudente de Moraes (atualmente em novas instalações no mesmo bairro), na Rua Ribeiro de Lima para a Pinacoteca de São Paulo.

“A Pinacoteca Contemporânea irá aprimorar a experiência do público com a produção artística das últimas décadas. Esperamos que esse novo edifício traga visitantes de todo o estado para São Paulo, realize atividades que estimulem a visitação dos mais diversos públicos e represente o início de uma nova fase ainda mais bem-sucedida para a Pinacoteca”, afirma Romildo Campello, secretário da Cultura do Estado de São Paulo.

O novo espaço está localizado a 50 metros do edifício da Pinacoteca Luz, em um terreno contíguo ao Parque da Luz e agora será formalmente cedido pelo Governo do Estado de São Paulo ao museu. O complexo possui ao todo 6908 metros quadrados, com 3190 metros de área construída, e foi originalmente projetado pelo Escritório Ramos de Azevedo, que também assina os outros dois edifícios da Pinacoteca. Após incêndio ocorrido em 1930, foi substituído, em 1950, por um edifício projetado por Hélio Duarte, importante arquiteto modernista. Com o termo de uso em mãos será feito, no segundo semestre de 2018, um convite a arquitetos aptos a realizar o projeto e a adequação do edifício. Em 2019, será executado um plano de captação de recursos para as obras.

“Este é um importante momento da história da Pinacoteca, uma nova oportunidade para promover a experiência do público com a arte, estimular a criatividade e a construção de conhecimento”, comenta Jochen Volz, diretor geral da Pinacoteca. “Com isso, será possível expandir a coleção e aprofundar sua programação pública, sobretudo enfatizando sua relação com os moradores e entorno dos bairros da Luz e do Bom Retiro”, completa Volz.

Sobre a Pinacoteca Luz

A Pinacoteca de São Paulo é um museu de artes visuais com ênfase na produção brasileira do século XIX até a contemporaneidade. Fundada em 1905 pelo Governo do Estado de São Paulo é o museu de arte mais antigo da cidade e está instalado no antigo edifício do Liceu de Artes e Ofícios, projetado no final do século XIX pelo escritório do arquiteto Ramos de Azevedo, e que depois passou por uma ampla reforma com projeto do arquiteto Paulo Mendes da Rocha no final da década de 1990.

O acervo original da Pinacoteca foi formado com a transferência de 20 obras do Museu Paulista da Universidade de São Paulo de importantes artistas da cidade, como Almeida Júnior, Pedro Alexandrino, Antônio Parreiras e Oscar Pereira da Silva. Com o passar dos anos, formou um significativo acervo, com quase 10 mil obras.

 Sobre a Pinacoteca Estação

Em 2004, a Pinacoteca incorporou o edifício do Largo General Osório que, originalmente, abrigava armazéns e escritórios da Estrada de Ferro Sorocabana. O edifício, totalmente reformado pelo arquiteto Haron Cohen, passou a chamar-se Estação Pinacoteca, hoje Pina Estação, para receber parte do programa de exposições temporárias. No térreo está instalado o Memorial da Resistência de São Paulo, criado na parte do edifício que sediou o Departamento Estadual de Ordem Política e Social de São Paulo (Deops/SP), entre os anos 1940 e 1983. A instituição se dedica a preservar as memórias da resistência e repressão política do Brasil republicano. Estão no primeiro andar o Centro de Documentação e Memória e a Biblioteca Walter Wey, que apresenta um significativo acervo de artes visuais, com destaque para arte brasileira.

2 e 3 de junho: 11ª feira “Las Plantas” na Pinacoteca

Mais de 70 expositores estarão neste final de semana  (2 e 3 de junho) na Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, na feira Las Plantas, que reúne os amantes do universo vegetal – de produtores de espécies, designers de objetos e vestuários a ilustradores e cozinheiros. Organizada pelo biólogo e produtor de eventos socioambientais catarinense Carlos Valle, residente em São Paulo desde 2016, a feira estreou em abril de 2017 com 21 expositores e chega agora a sua décima primeira com mais de 70. “A ideia do evento surgiu, inicialmente, como um meio de reunir interessados por paisagismo de interiores e formas de ocupar pequenos espaços e hoje acabou se tornando uma importante oportunidade para reunir produtores e amantes da natureza”, conta Valle. “Vale dizer que 70% dos expositores, que possui de 30 a 50 anos, é composto por mulheres. Algumas começaram o negócio como forma de agregar mais qualidade de vida”, complementa.

Participam do evento projetos emergentes como o “Véia das Plantas” ao lado de nomes mais consolidados como o M3P Itinerante e a Unevie Saboaria. O evento é voltado tanto para os que querem levar algo ligado à natureza pra casa – seja um vasinho, uma ilustração botânica ou uma compota artesanal – como para quem busca curtir uma tarde agradável para almoçar, encontrar amigos e ouvir música, essa última comandada pelo coletivo da animada festa Calefação Tropicaos.

Durante o evento, a Pinacoteca e a Pina Estação estarão funcionando normalmente e o visitante poderá conferir a prestigiada exposição Hilma af Klint: Mundos Possíveis, que segue em cartaz até dia 16 de julho e apresenta, pela primeira vez na América Latina, um conjunto de 130 obras da pintora sueca Hilma af Klint (1862-1944). A mostra já recebeu mais de 1.110 mil visitantes. E, na Pina Estação, o público poderá conferir a coletiva Mínimo, múltiplo, comum que reúne mais de uma centena de obras de seis artistas de gerações e círculos culturais diferentes: Amadeo Lorenzato (1900-1995), Chen Kong Fang (1931-2012), Eleonore Koch (1926), Marina Rheingantz (1983), Patricia Leite (1955) e Vânia Mignone (1967).

Serviço: Las Plantas

Dias:  02 e 03 de junho, sábado e domingo, das 10h00 às 18h00
Local: estacionamento da Pinacoteca – Praça da Luz, 2, São Paulo
Entrada na feira: gratuita
Ingressos para o museu: R$ 6,00 (entrada); R$ 3,00 (meia-entrada para estudantes com carteirinha). Menores de 10 anos e maiores de 60 são isentos de pagamento. 
Aos sábados, a entrada da Pina é gratuita para todos. A Pina Estação é gratuita todos os dias.
O museu estará funcionando normalmente durante o período, porém o estacionamento estará fechado. 

Pinacoteca retoma contação de história em Libras

A Pinacoteca de São Paulo,realizará no sábado, dia 24 de março, a partir das 15h00, a primeira edição da Contação de História em Libras (Língua Brasileira de Sinais) em 2018. A narrativa, liderada pela educadora surda Sabrina Denise Ribeiro e pela intérprete de Libras Elisabeth Figueira, será construída a partir da obra Praia de Biarritz, 1913, de Paul Michel Dupuy, em exposição na mostra “Arte no Brasil: uma história na Pinacoteca de São Paulo”. A atividade gratuita tem duração média de uma hora e é aberta a surdos e ouvintes. Não é necessária inscrição prévia e o ponto de encontro será a sala 09 – segundo andar da Pina Luz.

Pinacoteca de São Paulo inaugura exposição da sueca Hilma af Klint

A Pinacoteca de São Paulo, abre dia 03 de março “Hilma af Klint: Mundos Possíveis”, mostra individual da pintora sueca Hilma af Klint (1862-1944), cujo trabalho vem sendo reconhecido como pioneiro no campo da arte abstrata e que passou despercebido durante grande parte do século XX.

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PINATRILHOS: Jogo interativo transforma a cidade em um grande tabuleiro

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